 Durant la décennie 1912-1923, un jeune compositeur néerlandais consacra les dix ans de sa vingtaine à la mélodie, écrivant sur des textes souvent français quelques merveilles de pur lyrisme que couronna un bref cycle, cinq mélodies, rassemblant des poèmes mystiques d’Henri Ghéon. Ce "Miroir de Peine" qu’Aafje Heynis chérissait tant, est son chef d’œuvre, c’est par lui, dans la voix pénétrée de spiritualité de la magnifique Roberta Alexander, que s’ouvre cette anthologie de son œuvre. Vous pourrez l’entendre ici dans la version avec orchestre que le compositeur acheva en 1933, revenant caresser les harmonies grégoriennes, les enveloppant d’un discret commentaire de timbres. Magique à force de nostalgie et d’introspection, comme les deux œuvres sacrées que Roberta Alexander ajoute, le sombre rayonnement de Magna res est amor, et la longue ligne courbe du Fiat Domine. Quelle musique, qui rappelle une certaine fascination d’Andriessen pour les compositeurs baroques : ses Variations vont chercher leur thème chez Kuhnau, mais surtout chez Couperin, autre chef d’œuvre composé en 1944 où la flute et la harpe invitent Debussy. Un second CD ajoute quelques opus concertants plus tardifs (fin des années soixante), où le langage nostalgique de ce compositeur secret, mélodiste inspiré, dont l’univers sonore m’évoque celui de Geral Finzi, étend encore ses pouvoirs lyriques. Solistes inspirés (le beau violoncelle de Michel Müller, le hautbois d’Henk Swinnen déroulant sa pastorale au long du Concertino, l’archet grave de Tinta S. van Altenstadt dans le sombre Concerto pour violon), Thierry Fischer soignant de sa baguette audiblement amoureuses les textures subtiles de ce compositeur qu’il est temps de (re)découvrir. (Discophilia - Artalinna.com) (Jean-Charles Hoffelé) L'émergence récente en France d'un répertoire très ignoré jusqu'ici — celui de la musique produite aux Pays Bas entre la fin du XIXe siècle et une grande première moitié du XXe — est réjouissante Après Diepenbrock et ses mélodies, voici qu'est célébrée l'une des figures majeures de cette période, Hendrik Andriessen, « patriarche » d'une dynastie (outre son frère, Willem, pianiste et compositeur, ses fils Juriaan et, plus encore Louis, ont été des figures marquantes du monde musical batave). Hendrik, bien que formé très jeune par son père, organiste et directeur musical à St Josef de Haarlem avait décidé d'être journaliste plutôt que musicien. La mort de ce dernier l'amena à réorienter d'un coup sa carrière : ce qu'il signifia en invoquant le vers de Verlaine : « de la musique avant toute chose ! » qui fut dès lors sa devise. Ce sont ses compositions vocales et sa musique de chambre qui sont ici à l'honneur et, chronologiquement parlant, les extrêmes de sa production 1919-1930 et 1965-1970. D'abord ce chef-d’œuvre vocal qu'est le cycle le Miroir de peine, sur des sonnets du poète français Henry Ghéon, évoquant des moments de la Passion du Christ tels qu'ils sont vécus par la Vierge. : on trouve ici les caractéristiques majeures du style d'Andriessen : goût marqué pour la musique française (on songe à Caplet), économie de moyens rejetant l'expressionnisme, spiritualité qui trouve sa source dans l'intériorité, conférant aux mélodies une force d'irradiation extraordinaire : dans une tout autre thématique se dégagent de ces pages ce pouvoir, cette capacité à capter, à envoûter instantanés, qu'ont les Nuits d'été de Berlioz (et au-delà des influences de Franck, de Debussy même) les lieder de Richard Strauss. Parmi les 3 variations pour orchestre ce sont celles sur un thème de Kuhnau, chronologiquement les plus anciennes qui paraissent les plus modernes : leur caractère"prismatique" — un aspect particulier du thème est exploité dans chaque variation — confère à l'œuvre une richesse qui ne nuit nullement à son unité. Les concertos (pour violoncelle, hautbois et violon) laissent percevoir la façon singulière qu'à l'orchestre, chez Andriessen, d'envelopper puissamment mais subtilement c’est-à-dire en toute clarté le soliste dans des coulées qui n'étouffent rien, mais entourent, au sens fort, et font magnifiquement écrin. L'écriture des solos sait se faire brillante sans gratuité, inventive mais toujours profonde, comme en témoigne plus particulièrement le concerto pour violon de 1969. Interprétation habitée, convaincante. Belle initiative. (Bertrand Abraham) The opulent soundworld of a Dutch late- Romantic master, still too little known outside his native country. Rarefied spirituality and refined sensuousness are the hallmarks of Hendrik Andriessen's idiom, which offers an ethereal synthesis of Franckian chromaticism with an individual interpretation of classical forms and church modes. Though he trained as an organist, his writing for other solo instruments is fluent and idiomatic. The concertos for violin, cello and oboe share the silken textures of his betterknown orchestral music, and this album won glowing reviews when first released in 2000. The album’s headline work is Miroir de peine, a languorous song-cycle to Henri Vangeon’s poems of religious ecstasy describing the suffering of Christ from the perspective of the Virgin Mary. It has attracted the advocacy of great sopranos from Elly Ameling to Christiane Stotijn. This 1991 recording by Roberta Alexander won an enthusiastic welcome from the critics for the poise and beauty of her performance and the richness of the engineering. Andriessen esteemed Franck as ‘a musical philosopher in the truest sense of the word,’ who drew ‘intense sentiments from the intuitive side of his genius into an orderly gestalt.’ Much the same could be said of Andriessen’s own idiom throughout his career, as this half-century retrospective over his career confirms, from the solemn lushness of Magna res est amor of 1919 to the Chromatic Variations and Cello Concertino of 1970. The Violin Concerto (1968-9) is still essentially couched in a Romantic vein, but shaded with more 20th-century accents of tonal anxiety, akin to Vaughan Williams and Casella in the 1930s. Any listener for whom conservatism is not a dirty word will relish becoming acquainted with Andriessen’s powerful expressive voice in these beautifully prepared and engineered performances.
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