Nicola Sani (1961-)
"Seascapes IX, Münster", pour orchestre
"Deux, le contraire de un", pour orchestre
"Light Red over Black", pour orchestre à cordes et électronique
"Gimme Scelsi", pour ensemble orchestral
"Tempestate", pour orchestre et électronique

Alvise Vidolin, électronique live
Orchestra di Padova e del Veneto
Marco Angius, direction

Compositeur, directeur artistique et essayiste, Nicola Sani (1961-) bâtit un répertoire d’œuvres instrumentales et électroacoustiques, de pièces pour le théâtre musical (dont plusieurs destinées aux enfants) et la danse, d’installations et de créations intermédias. Seascapes IX, partie d’un cycle inspiré par les photographies d’Hiroshi Sugimoto – lui-même fasciné par la rencontre picturale de l’eau et de l’air, ces éléments hors du temps et dont l’absence exclut la vie, reflète ces ombres de gris et noir et blanc des mers rencontrant le ciel, comme s’imbriquent dans la musique de Sani les couches denses des sonorités de l’orchestre, pénétrant peu à peu une surface qui se dévêt et laisse poindre les remous huileux des profondeurs. "Deux, Le Contraire De Un" contraste l’univers sonore (pour l’écrivain Erri Da Luca, deux n’est pas le double de un, mais son contraire) : le temps et le spectre se condensent, se dilatent, se dissolvent – mais coexistent. Dans "Light Red Over Black", le compositeur explore le carrefour complexe où se rejoignent les sons de la section de cordes (joués pianissimo, puis largement amplifiés de façon à en faire émerger les éléments autrement inaudibles) et ceux, électroniques, qui se basent sur les textures de timbre des premiers. "Gimme Scelsi" s’inspire des expérimentations sur bande de Giacinto Scelsi et "Tempestate" utilise la technique du sound mapping pour superposer un orchestre virtuel à celui qui joue la partition, enrichissant la spatialisation sonore d’une dimension neuve et expansée. (Bernard Vincken)

The dramaturgy of the perception of the work in time and space, with a clearly evident attention to the instrumental emission. Sani does not come back. He does not sterilize art music in a smug, celibate stylistic game with the risk of marginalizing it, in the context of global reception, as an expression of a wealthy minority of the western white bourgeoisie. He outlines a possible contemporary humanism, in which the creative relationship with technology proves to be necessary and fertile, not submissive or idolatrous. It invites you to remember that, in the history of music, the highest moments came when the creators climbed the crest of the wave of the contemporary thought, confronting it, whether it expressed utopias or crisis, despair or hope. Finally, the compositions collected in this CD invite you to rethink and remodel the listening spaces. This music crosses over, goes beyond mere confines. Composers, performers and institutions cannot escape this challenge again, as if it were not their problem. It is, and Tempus fugit.